Clásicos NO populares (14): Kurt Atterberg (Suecia, 1887-1974).

Kurt Magnus Atterberg nació el 12 de diciembre de 1887 en Gotemburgo (Suecia) y falleció el 15 de febrero de 1974 en Estocolmo. 

Fue uno de los compositores suecos más influyentes del siglo XX temprano, especialmente conocido por sus sinfonías de gran aliento romántico, que prolongan en Escandinavia la tradición sinfónica europea posterior a Brahms y Bruckner en pleno auge de las vanguardias.

Piano Concerto in B flat minor (1927-36)

Nieto de un famoso cantante de ópera e hijo de un ingeniero e inventor, Atterberg creció en un ambiente culto, pero no profesionalmente musical. 

Desde muy joven mostró talento para el violonchelo y la composición, aunque siguió inicialmente el camino familiar y estudió ingeniería eléctrica en el Instituto Real de Tecnología de Estocolmo (Kungliga Tekniska Högskolan). Durante muchos años llevó una doble vida profesional: ingeniero de patentes en la Oficina Sueca de Patentes y compositor activo.

Kurt Atterberg (1887-1974) - Scherzo

Kurt Atterberg - Wikipedia

Paralelamente estudió música en Estocolmo, recibiendo formación de Andreas Hallén (1846-1925) en composición y participando como violonchelista en orquestas y conjuntos de cámara.

Andreas Hallén - Wikipedia

Herencia musical sueca - Andreas Hallén

 A comienzos del siglo XX Suecia estaba consolidando su vida musical nacional, impulsada por figuras como Wilhelm Stenhammar y Hugo Alfvén, y Atterberg se integró pronto en ese ambiente como defensor de una identidad musical escandinava basada en el sinfonismo romántico tardío.

STENHAMMAR – HISTORIA DE LA SINFONIA

ALFVÉN – HISTORIA DE LA SINFONIA

Su Primera Sinfonía (1911) marcó el inicio de una carrera centrada sobre todo en la forma sinfónica, género al que dedicó nueve obras entre 1911 y 1956. Su estilo se caracteriza por una orquestación rica, lirismo expansivo y una sólida arquitectura formal, con ecos de Brahms, Wagner y el romanticismo nórdico.

Kurt Atterberg : Symphony No. 1 in B minor Op. 3 (1909-11)

El reconocimiento internacional llegó en 1928, cuando su Sinfonía n.º 6 en do mayor, Op. 31, ganó el célebre Concurso Internacional Schubert de Columbia Graphophone en Viena (organizado con motivo del centenario de la muerte de Schubert). La obra fue conocida desde entonces como “Sinfonía Dólar”, porque el premio incluía una importante suma en dólares.

Kurt Atterberg : Symphony No. 6 in C major Op. 31 (1927-28)

Durante las décadas de 1920 y 1930 Atterberg desempeñó un papel destacado en la vida musical sueca. Fue secretario de la Sociedad de Compositores Suecos y ejerció una intensa actividad como crítico musical y organizador cultural. Su defensa del repertorio nacional sueco lo convirtió en una figura influyente dentro del panorama musical escandinavo.

Sin embargo, su figura quedó parcialmente ensombrecida tras la Segunda Guerra Mundial. Durante los años treinta participó en intercambios musicales con Alemania y colaboró con instituciones culturales del Tercer Reich, algo relativamente común entre músicos europeos de la época. Tras la guerra fue objeto de una investigación oficial en Suecia, que finalmente lo exoneró de colaboración política, aunque su reputación internacional quedó afectada.

A partir de los años cincuenta su estilo fue considerado conservador frente a las corrientes modernistas, pero su música continuó interpretándose en Suecia. Su última sinfonía data de 1956, cuando ya tenía casi setenta años.

Kurt Atterberg, como he mencionado al inicio de esta entrada, murió en Estocolmo en 1974, dejando un catálogo que incluye aparte de nueve sinfonías, óperas, música de cámara y diversos conciertos.  Representa uno de los últimos grandes ejemplos del sinfonismo romántico tardío en el norte de Europa.

Hoy su música experimenta una cierta revalorización discográfica, especialmente sus sinfonías, apreciadas por su energía rítmica, su lirismo nórdico y su sólida escritura orquestal.

Aparte de las obras ya referenciadas, podemos destacar:

-Sinfonía nº 3 en re mayor, Op. 10 “Sinfonía del Oeste” (1914–1916)

Inspirada en paisajes escandinavos; una de sus obras más expansivas.

Kurt Atterberg - Symphony No. 3 ("Pictures of the West Coast") in D Major. Op. 10 [1916] (W/ Score)

Symphony No.3 in D major "Pictures of the West Coast" - Kurt Atterberg

-Sinfonía n.º 5 en re menor, Op. 20 “Sinfonía fúnebre” (1922).

Obra de tono grave y elegíaco, escrita tras la Primera Guerra Mundial.

Symphony No.5 in D minor "Sinfonia Funebre" - Kurt Atterberg

ATTERBERG – HISTORIA DE LA SINFONIA

Atterberg - Symphony 5 "Sinfonia Funebre" [1922] (w/ Score)

Simfonia núm. 5 (Atterberg) - Viquipèdia, l'enciclopèdia lliure

-Sinfonía n.º 7 en mi menor, Op. 45 (1942).

Sinfonía de gran dramatismo, escrita en plena Segunda Guerra Mundial.

Atterberg - Symphony 7 "Romantic" [1942] (w/ Score)

Kurt Atterberg : Symphony No. 7 in A minor 'Sinfonia romantica' Op. 45 (1942 rev. 1972)

-Sinfonía n.º 8 en mi menor, Op. 48 (1944)

De carácter más introspectivo y oscuro.

Atterberg - Symphony 8 [1945] (w/ Score)

Kurt Atterberg - Symphony No.8 in E-minor, Op.48 (1944)

ATTERBERG – HISTORIA DE LA SINFONIA

Rhapsody, Op. 1

Piano Concerto in B-Flat Minor, Op. 37: I. Pesante allegro

Piano Concerto in B-Flat Minor, Op. 37: II. Andante

Piano Concerto in B-Flat Minor, Op. 37: III. Furiosa

Kurt Atterberg - Suite No. 3 for Violin, Viola & String Orchestra, Op. 19, No. 1 (1917)

Kurt Atterberg : Suite No. 5 'Barocco', from incidental music to A Winter's Tale Op. 23 (1923)

Kurt Atterberg - Adagio amoroso (1967) {Violin and Flute versions}

Kurt Atterberg : Ballad without words, for orchestra Op. 56 (1957-58)

Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran  corresponden al artista o artistas referenciados.

Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios.

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 Javier Nebot

Pintores de hoy (255): Steven Higginson (Gran Bretaña, 1982).

En el panorama actual de la pintura figurativa británica, Steven Higginson se ha abierto paso con una propuesta que rehúye el artificio y apuesta por una mirada directa, franca y honesta sobre el rostro humano. No parece ser un artista de grandes gestos ni de teorías altisonantes: su terreno es la realidad de la piel y la forma en la luz la luz la ilumina. 

Higginson nació en 1982 en Dumfries, al sur de Escocia. Allí creció lejos de cualquier aura académica o institucional. Su formación, como suele suceder en tantos pintores contemporáneos, fue en gran parte autodidacta, alimentada por una práctica constante desde la adolescencia. Sus primeros dibujos no salieron de museos u obras de arte, sino de portadas de discos y libros musicales, lo cual resulta un detalle revelador para lo que posteriormente sería su trayectoria: desde el inicio, su relación con la imagen fue íntima, cotidiana, casi doméstica.

Ese impulso temprano de dibujar lo cercano, lo que se tiene a mano, marcaría claramente su trayectoria posterior.

Inicio | El retratista escocés Steven Higginson

Con el tiempo, Higginson se estableció en Dundee, ciudad industrial escocesa que ha terminado por convertirse en uno de los escenarios recurrentes de su obra. Allí desarrolla una pintura que se mueve entre el retrato, el paisaje urbano y el bodegón, siempre con una técnica al óleo de fuerte impronta realista, a veces incluso de precisión casi fotográfica (lo cual, para algunos, supongo, será poco menos     que un anatema).

Pero, tranquilos, no se trata de un realismo académico. Lo que distingue su trabajo es un uso inteligentemente dramático de la luz y la sombra, un claroscuro que no idealiza, sino que, más bien escudriña y revela: arrugas, tatuajes, cansancio, identidad. Sus modelos, que a menudo son personas corriente, aparecen sin filtros, como si el pintor quisiera borrar la distancia entre espectador y retratado. No se trata del realismo devorador de un Lucien Freud, pero resulta igualmente auténtico.

Sobre mí | El retratista escocés Steven Higginson

Steven Higginson | GALLERY HEINZEL

El salto a la escena internacional llegó con un hito concreto: su selección en el prestigioso BP Portrait Award en 2019 y 2020, uno de los certámenes más relevantes del retrato contemporáneo. Sus obras fueron expuestas tanto en la National Portrait Gallery de Londres como en la de Edimburgo, consolidando su nombre fuera del ámbito local .

Premio BP Portrait 2020 - National Portrait Gallery

Este reconocimiento no fue, afortunadamente, un episodio aislado. Su trabajo ha ido encontrando un público creciente, tanto en el circuito de galerías como en el espacio digital, donde reúne una comunidad amplia de seguidores y coleccionistas en distintos países 

A diferencia de otros artistas contemporáneos, Higginson no ha renunciado al retrato por encargo, una práctica tradicional que él ha sabido actualizar. Trabaja frecuentemente a partir de fotografías, pero su objetivo no es reproducirlas, sino traducirlas en pintura: darles densidad, tiempo, presencia. La lista de precios de los mismos aparece detallada en su página web.

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Javier Nebot

Recordando la Historia (9): 1869. La invención de la margarina.

En mi blog "Siglo XIX. Arte y cultura", estoy haciendo una investigación personal sobre un medio siglo que me resulta apasionante. Indago sobre la historia y la cultura comprendidas entre 1870 a 1920. Una época de profundas transformaciones políticas, sociales y artístico/culturales.

Siglo XIX. Arte y Cultura: 3. 1870-1920. La Guerra Franco-Prusiana y el nacimiento violento de la Europa moderna (2 de 2).

Siglo XIX. Arte y Cultura: 2. 1870-1920. La Guerra Franco-Prusiana y el nacimiento violento de la Europa moderna (1 de 2).

Siglo XIX. Arte y Cultura: 1.1870–1920: El hechizo de un mundo en rápida transformación.

Siglo XIX. Arte y Cultura: Estudio sobre 1870-1920. Esquema estructural.

Aparte de las líneas maestras de los acontecimientos históricos de la época y de la vida de sus principales personajes, me interesa en ocasiones, la anécdota, el detalle curioso y, mira por donde, explorando la figura -controvertida- de Napoleón III, me entero de que gracias a él si "inventó" la margarina.

Por lo que parece, como resultado de un concurso organizado por el emperador, que estaba deseoso de descubrir un producto que sustituyese a la mantequilla, el francés Hippolyte Mége-Mouriés, inventó la famosa -actualmente-  pseudo-mantequilla, la margarina (¡y yo pensando siempre que el susodicho producto había sido algo creado por la voracidad inventora y comercial de los norteamericanos!).

Relatos breves de la química - Hippolyte Mège-Mouriès inventa la margarina | Medioquímica

"Nacido en Draguignan el 24 de octubre de 1817, hijo de un maestro, Hippolyte Mège se formó como farmacéutico mediante un aprendiz de aprendizaje, sucesivamente en Draguignan, Aix-en-Provence, y luego en París. Posteriormente fue internado en el Hôtel-Dieu. Apasionado por la investigación, Hippolyte Mège (quien añadió el nombre de su madre a su nombre: Mouriès) demostró ser un inventor prolífico, registrando, a partir de 1840, numerosas patentes que cubrían invenciones en los campos de la farmacia, la alimentación, la dietética y la química. Sus resultados le valieron numerosos premios y distinciones, incluida la Legión de Honor, entregada en persona por el Emperador en 1861. Por ello, fue un investigador confirmado quien respondió en 1869 al concurso "Descubriendo un producto adecuado para reemplazar la mantequilla ordinaria para la marina y las clases menos acomodadas".

Su invento fue fruto de una observación fortuita realizada en la granja experimental de Vincennes: la leche de vacas que se pone a dieta siempre contiene grasa. Por tanto, estas solo pueden provenir de las reservas de grasa del animal, que se emulsionan durante el metabolismo. Inspirado por el trabajo de Chevreul, Hippolyte Mège trabajó en la emulsificación del sebo en un medio acuoso hasta obtener un producto con un punto de fusión y textura (untable) cercanos a los de la mantequilla. Le dio el nombre de "oleo-margarina", en referencia al griego "margarón" (perla) y ine, debido a su color perlado, presentó una patente el 15 de julio de 1869. Ganador del concurso, Mège continuó su trabajo en el desarrollo del producto y su proceso de fabricación, pero esto se interrumpió temporalmente por la Guerra de 1870."

Hippolyte Mège et la margarine - Petites histoires de la chimie

"El producto no se comercializó hasta 1872, siendo el primer campo de aplicación de la Marina el que más sufrió por la escasez de mantequilla. Mientras tanto, el inventor había mejorado el producto emulsificando el sebo en la leche y vendió su patente a Anton Jurgens, un comerciante de mantequilla holandés. Luego se unió a la empresa Van den Bergh para crear la empresa holandesa "Margarines unis", que finalmente se fusionó en 1930 con la empresa de los hermanos Lever (fábricas de jabón) para fundar el grupo anglo-holandés Unilever. El proceso de fabricación consta de etapas sucesivas: licuefacción caliente de una grasa, su emulsificación en un medio acuoso, solidificación del producto mediante enfriamiento, amasado y luego empaquetado en bloques o bandejas".

Esta mantequilla artificial ordenada por Napoleón III, rechazada en Francia, es ahora la señal de la venganza global de la margarina - Top Santé

Margarina: La batalla por el desayuno

La margarina la consumen hoy en millones y millones de hogares...aunque el susodicho invento esté en la actualidad más que cuestionado por nutricionistas solventes, ya que es un alimento ultra procesado que, la gran mayoría de las veces, contiene grasas trans (que son muy, muy, malas, no las coman).

Mantequilla o Margarina: ¿cuál es más saludable? - BBC News Mundo

Mantequilla o margarina: el debate está en la mesa | Consumer

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Javier Nebot

Pintores de hoy (254): Jay Long (USA, 1969).

 

El pintor estadounidense Jay Long nació en 1969 en Houston (Texas) y creció entre los barrios de Sharpstown y Clear Lake, en un entorno familiar sin tradición artística profesional. 

Su padrastro trabajaba en el ámbito científico vinculado a NASA, mientras que su madre regentaba una librería, lo que le permitió convivir desde joven con libros, revistas y un ambiente cultural relativamente abierto. Su adolescencia, sin embargo, no siguió una trayectoria convencional. 

A mediados de los años ochenta, con quince años, abandonó los estudios y se trasladó al barrio de Montrose, entonces uno de los focos de la escena alternativa y punk de Houston. Allí llevó una vida errática durante un tiempo, moviéndose entre locales musicales, galerías marginales y el ambiente bohemio que rodeaba festivales de arte como el Westheimer Art Festival.

Jay Long Studio - Fine Art     Acerca de

El propio Long ha recordado ese periodo como una etapa de libertad pero también de excesiva  precariedad porque vivió prácticamente sin recursos y pasó temporadas sin hogar fijo. Aquella experiencia, aunque aparentemente ajena al arte académico, contribuyó a formar su sensibilidad hacia lo excéntrico, lo narrativo y lo imaginativo, rasgos que más tarde aparecerían en su pintura.   (2) Instagram

Home | Jay Long Studio

JAY LONG ANUNCIADO COMO ARTISTA INVITADO PARA EL FESTIVAL DE ARTE Cottonwood del 5 al 6 DE OCTUBRE

Tras esa fase juvenil de desorientación, Long decidió retomar su educación. 

Obtuvo el GED (equivalente al diploma de secundaria) y se trasladó a San Marcos (Texas), en donde comenzó a trabajar en serigrafía de camisetas y a interesarse por el diseño gráfico. 

 A finales de los años ochenta inició estudios de arte comercial en Austin Community College. Allí empezó a adquirir una formación más sistemática en dibujo y composición visual. 

Austin Community College | Distrito de Colegios Comunitarios de Austin

Posteriormente continuó su formación en el Otis Parsons School of Design de Los Ángeles, uno de los centros más influyentes del diseño y las artes visuales de los Estados Unidos. 

Colegio de Arte y Diseño Otis

Durante este periodo trabajó en la industria audiovisual, realizando decorados, escenografías y pintura de utilería para cine y televisión, llegando a participar en la producción de la película Get Shorty (1995). Aquella experiencia le permitió desarrollar habilidades técnicas, aunque el propio artista ha señalado que ese tipo de trabajo creativo estaba subordinado a las ideas de otros y no satisfacía plenamente su vocación personal.

Cómo conquistar Hollywood (1995) - FilmAffinity

Get Shorty (1995) ORIGINAL TRAILER [FHD]

En un momento de crisis profesional, Long abandonó temporalmente el trabajo comercial y se retiró a vivir en una cabaña en las montañas de Santa Cruz (California). Ese periodo de aislamiento, que él mismo ha descrito como sus “años Walden”, fue decisivo para el desarrollo de su lenguaje pictórico personal.

Durante esa etapa comenzó a experimentar con una pintura de carácter narrativo, fantástico y ligeramente teatral, en la que aparecen criaturas híbridas, animales humanizados, objetos mecánicos y escenas imaginarias. 

El resultado fue un estilo visual en el que combina elementos del surrealismo narrativo, referencias a la ilustración literaria mostrándonos un conjunto de tono poético y a veces humorístico. 

 Esta búsqueda coincidió con el descubrimiento de un modelo profesional viable: el circuito de festivales de arte y ferias en Estados Unidos, donde los artistas venden directamente sus obras y mantienen contacto directo con el público.

Tras su estancia en California, Long regresó a Texas y se instaló en Austin, ciudad donde ha desarrollado gran parte de su carrera. 

Desde finales de los años noventa y principios de los 2000 comenzó a participar regularmente en importantes festivales de arte estadounidenses, como el Bayou City Art Festival de Houston o el Main Street Arts Festival de Fort Worth. 

Festival de Arte de la Ciudad del Bayou | Houston, Texas

Arte.Música.Comida. - Arte de la calle principal

 A diferencia de muchos pintores contemporáneos cuya trayectoria se construye principalmente a través de galerías o museos, Long ha consolidado su reputación dentro de la tradición norteamericana del art-festival circuit, un sistema de exhibición itinerante muy desarrollado en Estados Unidos que combina mercado, contacto directo con coleccionistas y visibilidad pública. 

 Con el tiempo se ha convertido en un artista habitual de estos eventos y ha sido invitado como artista destacado en varios festivales, como el Cottonwood Art Festival de Texas. 

El trabajo de Jay Long se caracteriza por una técnica híbrida que combina pintura al óleo y collage sobre paneles de madera. 

Su procedimiento suele seguir varias etapas: 

 1. Concepción inicial mediante un dibujo o boceto. 

 2. Transferencia del dibujo a un panel de madera recortado con la forma deseada. 

 3. Aplicación de lienzo, gesso y papeles encontrados (a menudo páginas de libros). 

 4. Pintura al óleo sobre la superficie ya preparada. 

 5. Montaje final en marcos o cajas tridimensionales construidos por el propio artista. 

 Este proceso produce obras que funcionan casi como pequeños escenarios teatrales o “shadow boxes”, en los que la imagen pictórica adquiere cierta profundidad espacial. Las fuentes de inspiración del artista suelen ser la literatura, la música y el teatro, aunque también practica el dibujo automático como medio para descubrir personajes o escenas inesperadas.

Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran  corresponden al artista o artistas referenciados.

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