"Nacido en Paterson, Nueva Jersey, en 1949, Geoffrey Laurence es
un pintor, ilustrador, educador estadounidense volcado en obra gráfica y en diseño de interiores. Aunque es considerado un artista de la escuela del realismo, está más
preocupado por las respuestas emocionales que se pueden lograr a
través de diversas técnicas de pintura. Laurence considera que la
pintura figurativa es artificial por su propia naturaleza y, por lo
tanto, una abstracción de la experiencia de vida observada. Para
él, el objetivo de toda pintura es involucrar al espectador en una
narrativa emocional.
Los padres de Geoffrey Laurence eran estadounidenses
naturalizados, refugiados de Europa y sobrevivientes del
Holocausto. A los cuatro años de edad, Laurence se mudó con su
familia a Inglaterra, donde recibió su educación. En 1965, ingresó
en la Byam Shaw School of Art de Londres, donde estudió con la
pintora geométrica Bridget Riley. Después de recibir su
Certificado de Londres en Arte y Diseño en 1968, Laurence
estudió diseño gráfico durante un año con el artista de carteles
Tom Eckersley en el London College of Printing. En 1969, estudió
con Frederick Gore, el Jefe del Departamento de Pintura, en la
Escuela de Arte Saint Martins, donde obtuvo
su Licenciado en Artes en 1972.
Laurence se mudó a la ciudad de Nueva York en 1992 y asistió a la
Academia de Arte de Nueva York, donde estudió con el pintor y
dibujante Eric Fischl y el pintor realista Vincent Desiderio.
Laurence recibió su Maestría en Bellas Artes Cum Laude en 1995.
Trabajó como freelance durante los siguientes años en diferentes
campos relacionados con el arte. Laurence fue ilustrador de
varias revistas, incluyendo "Woman's World" y "Look Now", así
como diseñador gráfico para compañías como Pineapple y British
Petroleum.
En la industria de la moda, Geoffrey Laurence creó una gama de
camisetas para Walt Disney, el minorista británico de ropa en
línea Burton y el minorista global con sede en el Reino Unido
French Connection. También creó trabajos para la diseñadora de
moda Katherine Hamnett y compañías como PampleMouse y
Muscle Sport.
Durante la década de 1990, Laurence hizo trabajos
de diseño de interiores para restaurantes, incluida la cadena de
restaurantes Zen de Londres. Su trabajo de diseño ha aparecido en
la revista Vogue, la revista Royal Institute of British Architects y el
London Evening Standard. Además de aplicar sus habilidades al
trabajo independiente, Laurence continuó su enfoque en el dibujo
figurativo y la pintura, trabajo que apareció regularmente en
exposiciones"
GEOFFREY
LAURENCE.COM ~ WEB OFICIAL ~ REALISMO CONTEMPORÁNEO ~ BELLAS ARTES
(21) A studio visit with Geoffrey Laurence - YouTube
Geoffrey Laurence - España | Artnet
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Sobre mi: "Nací en Patterson, Nueva Jersey, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Mis padres eran estadounidenses naturalizados, refugiados de Silesia (un país que ya no existe) y sobrevivientes del holocausto. Cuando tenía 4 años, mis padres se mudaron a Inglaterra, donde fui educado y viví durante los siguientes 38 años. Asistí a tres escuelas de arte en Inglaterra durante siete años, tiempo durante el cual me interesé mucho en aprender las habilidades de dibujo y pintura que había observado en muchas pinturas clásicas. Durante los siguientes 20 años trabajé como freelance en diferentes campos relacionados con el arte. Trabajé como ilustradora para revistas como Woman's World y Look Now, diseñadora gráfica para empresas como BP y Pineapple, como fotógrafa para un periódico londinense y como diseñadora para varias empresas de moda como Muscle Sport, Pamplemouse, Katherine Hamnett, además de diseñar gamas de camisetas para Walt Disney, Burton y French Connection. En los años 90 me convertí en diseñador de interiores y diseñé restaurantes en Londres para la cadena Zen y otros. Mi trabajo apareció en la revista del Royal Institute of British Architects, Vogue y el London Evening Standard. Durante esos años, me concentré todo el tiempo disponible para dibujar y pintar la figura y expuse cada vez que se me ofreció la oportunidad. Regresé al estudio a tiempo completo de técnicas de pintura clásica y en 1992 me mudé a Nueva York, donde recibí mi maestría Cum Laude en la Academia de Arte de Nueva York. En 1996 me mudé a Nuevo México, donde continúo trabajando y viviendo.Mi exposición infantil a las artes siempre ha sido una base para la intensidad de respuesta de por vida que siento hacia la pintura y el dibujo. El trabajo de otros pintores, desde pinturas rupestres hasta obras maestras europeas, ofreció fascinación y consuelo real de una especie de soledad y aislamiento que sentí cuando era niño. Recibí tanto significado y dirección del trabajo de otros artistas que, como resultado, he tratado continuamente de ser tan devoto y generoso al retribuir a través de mi propio trabajo y enseñanza. A medida que envejezco, descubro que sospecho demasiado de "hablar de" arte y no "hacer" lo suficiente. Pintar es mirar, no hablar. Nuestra sociedad actual ha sido invadida por "expertos" que quieren explicar el arte sin haber experimentado nunca su creación. Es particularmente evidente en las resmas de "lenguaje artístico" que son necesarias hoy en día para justificar y explicar la mayoría del arte conceptual contemporáneo. Creo que hacer marcas es mucho más antiguo que el lenguaje verbal. Estábamos hurgando con palos en la arena antes de escribir en las paredes. Esta longevidad primordial sigue siendo una parte importante del ser humano, una distinción sagrada del alma que siempre nos separará y nos elevará de ser meramente mecánicos. El esfuerzo y el anhelo de establecernos y restablecernos de esta manera se refleja en los logros técnicos de la maestría artística durante los muchos siglos que hemos estado haciendo pinturas. Mientras observo cómo evoluciona mi propio trabajo, dos temas generales aparecen evidentes en el trabajo de los últimos diez años. El primero, una intención y lucha por encontrar y mantener un vínculo entre la pintura clásica anterior a 1900 y la pintura moderna desde 1900 y el deseo de resolver el problema de evitar que uno niegue al otro. Siento mucha la presión de 600 años de arte y, sin embargo, deseo hacer pinturas que sean en todos los sentidos, si es posible, contemporáneas a mi tiempo. El segundo es un diálogo y un intento de encontrar una respuesta pictórica significativa al Holocausto, principalmente como resultado de ser descendiente de sobrevivientes de campos de concentración y sentirme muy conectado emocionalmente con la trágica historia de mi familia. El hecho de que los acontecimientos del Holocausto estén a sólo 60 años del presente da una medida de urgencia a la necesidad de comprender los horrores que fueron y siguen siendo perpetrados por el hombre contra el hombre. En algunos de mis últimos trabajos, continúo explorando la relación entre la figura contemporánea y las pinturas clásicas específicas. Utilizo las pinturas clásicas como punto de partida y combino diferentes partes de diferentes pinturas para crear una composición que funcione para mí. No me considero un realista naturalista ni actualmente tengo ningún interés en crear un truco de magia entretenido de experiencia ilusionista para el espectador. El fácil descenso a la nostalgia por las formas de arte pasadas que mucho "realismo" proporciona hoy no satisface mis necesidades de la pintura contemporánea. Me preocupa más la dificultad de crear respuestas emocionales a través del trabajo y con el proceso de pintura, de mover y experimentar la pintura de diferentes maneras con un pincel y de involucrar al espectador en una narrativa emocional. Toda pintura de figuras es, por su propia naturaleza, artificial y una abstracción de la experiencia de la vida observada: ¡todavía no he visto una figura en una pintura salir a la vida real! No creo que la realidad fotográfica transmita la profundidad de la experiencia observacional humana, transmite la reproducción mecánica de partículas de luz que rebotan en las superficies, nada más.
Deseo hacer que mi comunicación sea fácilmente reconocible y, por lo tanto, confiar en un lenguaje "realista", pero al mismo tiempo me centro principalmente en su efecto emocional subliminal.·"
Todas las imágenes y/o vídeos que se muestran corresponden al artista o artistas referenciados. Su exposición en este blog pretende ser un homenaje y una contribución a la difusión de obras dignas de reconocimiento cultural, sin ninguna merma a los derechos que correspondan a sus legítimos propietarios. En ningún caso hay en este blog interés económico directo ni indirecto. |
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